Serieína

En la misma noche que se entregaron los Oscar, se emitió la season finale de la cuarta temporada de Big Love. Ha sido una temporada completamente diferente a las tres anteriores y era algo de preveer; ya que en cada temporada se explora diferentes caminos y, en el caso de esta temporada, los caminos han sido un poco caóticos. Esta entrada está libre de spoilers salvo en unas palabras en donde indico lo contrario.

Lo que mejor define esta recién finalizada temporada son los cambios y transiciones. Por un lado están los cambios y transiciones que experimentan sus personajes a lo largo de los 9 episodios que la forman y por otro lado están los que experimenta la propia serie en sí comenzando por un nuevo opening totalmente diferente al que nos tenía acostumbrados. Primer shock que nos encontramos.

Nunca antes me había topado con una serie de la HBO en la que se cambie la cabecera tras varias temporadas en antena, y es más, el canal se caracteriza por mantener a las series con los mismos openings temporada tras temporada. Desconozco si Big Love fue la excepción que confirma la regla o esto mismo ya ha sucedido con otras series del canal, pero yo por lo menos no tengo constancia. ¿Y entonces por qué cambiarlo a estas alturas? Porque en este momento los personajes se sienten perdidos y empiezan a tambalearse y cuestionar varios aspectos de sus vidas que se daban por sentados. Se sienten como si se estuviesen precipitando al vacío mientras luchan con todas sus fuerzas por salir a flote. Así se entiende la promo (y sus diversas variantes centadas en cada uno de los cuatro personajes principales) que sacaron antes de estrenar la temporada y así se entiende el nuevo opening, practicamente igual a la promo pero con una diferente sintonía. Ahora los Beach Boys dejaron de ser los encargados de dar comienzo a cada uno de los episodios y cedieron su puesto a “Home”, uno de los mayores éxitos de un grupo británico llamado Engineers. El resultado final de todo lo que he dicho se resumen en esta nueva cabecera, muy acorde con la temática de la temporada.

He hecho bastante hincapié en el nuevo opening porque creo que un cambio muy significativo en la temporada y no sólo por el hecho de lavar la imagen de la serie, si no por su propio significado y por el momento en el que sucede. Pero dejando de lado el tema y centrándonos más bien en las propias tramas de la temporada, en estos últimos episodios nos hemos encontrado con dos cosas: por una parte se han introducido historias muy interesantes que han aportado mucho a la serie y, por otro lado, han empezado a cobrar importancia algunas tramas que claramente sobraban e incluso se llegaron hacer pesadas y de lo más aburridas. Big Love nunca me había llegado aburrir hasta ahora. Pero por suerte el balance entre ambas historias (interesantes vs. no interesantes) fue positivo y bien llevado, con lo que algunos episodios pueden dejar un sabor de boca un tanto amargo pero otros lo compensan con creces.

Me ha gustado mucho ver la introducción del tema de la homosexualidad tratado dentro del ámbito mormón. Este fue uno de los temas que más ampollas levantaron antes y durante la emisión de la temporada entre varios grupos religiosos que no dudaron en censurar al canal y a la serie. A mi modo de ver se desarrolló de una forma muy interesante pero tocándolo de una forma bastante superficial y con un final un tanto abrupto. Creo que podía haber dado mucho más de sí y me dejó con la sensación de que tiraron por la borda uno de los puntos fuertes de la temporada y se pasaron a centrar en algo que no conseguía despertar mi interés [SPOILER] y es la carrera política de Bill [FIN SPOILER]. Pese a que le quisieron dar un gran protagonismo, sobre todo durante la primera recta de temporada, me pareció una de las trama prescindible, sacada de la manga y que en realidad no aporta nada a la serie pero que reconozco que dio pie al inicio de un fantástico camino que se explorará en la siguiente temporada y al nacimiento de un gran personaje interpretado por Sissy Spacek, que al principio parece metido por los pelos pero que poco a poco consigue abrirse camino y hacerse notar. La escena final de “End Of Days“, el episodio que cierra la cuarta temporada, es de las que hacen historia y ahí si que me quito el sombrero por la brillante forma en la que se retrató toda esa situación caótica que lleva a los personajes a ese preciso momento.

Otro de los grandes cambios de la temporada que se anunció a bombo y platillo era la salida de la serie de Amanda Seyfried, la actriz que interpretaba a la hija mayor de los Henrickson, para dedicarse a su carrera en el mundo del cine. La era de la información tiene sus desventajas y los que leemos blogs y webs de series sabíamos que la salida se iba a producir en el octavo episodio de la temporada y para ser un acontecimiento tan anunciado, da la sensación de que fue escrito de un día para otro. Sí, la última escena del personaje de Sarah es preciosa y emotivia pero eso no quita que toda la situación en sí sea precipitada. Pero la salida de Seyfried y los fichajes de Spacek y del trotaseries Zeljko Ivanek, al que ya vimos en algún episodio de la tercera temporada (por cierto, impresionante papel que realiza), no fueron las únicas novedades entre el reparto ya que en esta temporada también tuvo lugar algo que no me gusta nada: que una nueva cara se meta en la piel de un viejo personaje. Y en este caso la actriz Jolean Wejbe, la que dio vida a la pequeña Tancy Henrickson en las primeras tres temporadas, fue sustituida por la nueva y mucho más experimentada Bella Thorne. Como digo no es algo que me agrade, cuando te haces con una cara es difícil sustituirla, pero he de decir que me ha gustado este recast y hasta lo he encontrado bastante acertado. Que no sirva de precedente.

En resumidas cuentas, hemos tenido una temporada clave para la serie que por desgracia no ha estado al nivel de las tres anteriores. No digo que haya sido mala porque tiene muchos puntos positivos, pero si que me parece que se les fue un poco la mano en algunos aspectos. Sea como fuese, se las arreglaron para prepararnos de cara a una interesantísima quinta temporada que promete indagar y revolver los cimientos de los Henrickson de una manera que no hemos visto hasta el momento.

¿Lo mejor de la temporada? Nicki, Nicki y Nicki.

Este miércoles pasado, una de las series más polémicas y autodestructivas de la televisión puso su punto y final después de casi siete años en emisión. NcMamara y Troy pronunciaron por última vez la ya famosa frase “Tell me what you don’t like about yourself” y con ellos Nip/Tuck finalizó tras 100 episodios a sus espaldas, todo un logro para una serie de cable que muy pocas han conseguido. Aunque no hayas visto nunca la serie puedes seguir leyendo sin problemas, en esta entrada no te encontrarás con spoilers.

Primero de todo quiero hacer una pequeña aclaración: aunque algunas páginas de internet y base de datos se empeñen en decirnos que Nip/Tuck terminó con una séptima temporada de 9 episodios, en realidad lo hizo con una sexta temporada de 19 episodios. Todo esto lo expliqué con detalle en su día asi que no voy a volver sobre el tema e iré directo a lo que quiero hablar, lo que ha sido todo el recorrido de esta serie para mi.

Los que han visto alguna vez algún capítulo saben que en Nip/Tuck no se anda con rodeos. Todo lo que nos muestra es explícito y no siente la necesidad de maquillarlo. Es politicamente incorrecta y se siente orgullosa de serlo. Se ríe de sí misma y se ríe de nosotros. Nos incita a través de sus historias y pintorescos personajes, dejándonos en ocasiones con la boca abierta y en otras tantas nos consigue sacar una gran carcajada y precisamente ahí radica la mágia de la serie creada por Ryan Murphy; en la capacidad de versatilidad que tiene.

Nip/Tuck comenzó muy fuerte, con una brillante primera temporada que ganó el Globo de Oro a mejor serie de drama y establecía a la perfección las bases y principios de lo que era e iba a ser la serie en un futuro. Simplemente en el episodio piloto, tenemos varias escenas en las que Ryan Murphy muestra claramente el alma y esencia de la serie; ya sea en una maravillosa escena en un ascensor, en plena cirujía, en un encuentro casual en un bar que cambiará por completo la vida de varios personajes o mostrándonos, sobre una mujer que ya es perfecta, cómo sería una mujer con un cuerpo 10. Directa y sin rodeos. Así fue desde el principio y así se mantuvo durante toda su emisión. El New York Times la llegó a definir como una mezcla entre Los Soprano y Six Feet Under, algo con lo que yo no estoy de acuerdo ya que, aunque sí bien es cierto que tiene matices de ambas series, Nip/Tuck consiguió encontrar su propio camino. Eso si, un camino con muchos altibajos.

En la segunda temporada, la serie de los cirujanos plásticos empezó a tomar un tono muy culebronesco (ni mucho menos lo digo como algo negativo) pero siguió manteniendo su frescura. Los problemas empezaron en la tercera temporada al desarrollar, y posteriormente finalizar, una trama que empezó en la segunda y se les fue totalmente de las manos. Hablo de “El Carnicero”, también conocido como “El Escultor” o “The Carver”, como queráis llamarle. En ese tramo, Nip/Tuck cayó totalmente en la absurdez y el ridículo pero por suerte supo remontar en la siguiente temporada, aunque todavía tuvimos que aguantar durante varios episodios algunas tramas que estaban fuera de lugar. En ese preciso momento, la serie había llegado a un punto en el que no daba más de sí. Tenía que renovarse o morir y por esa razón cambió de escenario, mudándose desde el colorido Miami al frívolo Hollywood. De la acertada quinta temporada y de su humor negro ya hablé en su día, lo que nos lleva finalmente a la sexta y última.

La primera parte de la última entrega de Nip/Tuck comenzó algo fria pero terminó ofreciéndonos algunos de los mejores episodios de la serie, en especial en la segunda parte de la misma en donde volvimos a ser testigos de la grandeza que vivimos en la primera temporada. Y yo me quito el sombrero ante el señor Murphy por regalarnos semejante espectáculo en la recta final y por despedir a los cirujanos de la mejor forma posible, a pesar de que algunas tramas “se cerraron” de una forma un tanto WTF pero, ¿qué sería de Nip/Tuck sin sus WTF? Entonces, ¿me dejó satisfecho la forma en la que concluye la serie? Se puede decir sin duda que sí. Terminó como tenía que terminar y aunque nos deje con ganas de más, seamos realistas, Nip/Tuck ha dado todo lo que tenía que dar y ha llegado muchísimo más lejos de lo que pensé que llegaría en un primer momento y eso se puede considerar todo un logro para los que la hemos visto y seguido, que por desgracia no somos demasiados.

Con todo lo que he hablado no he dicho ni una palabra sobre los personaje y para ser honestos sólo necesito una para definirlos: autodestructivos. Nip/Tuck es la serie en la que todos sus personajes tienen personalidades autodestructivas que los mantinen en una espiral llena de infelicidad en la que aparentar y finjir es la ley suprema hasta que al final tocan fondo y tienen que enfrentarse a su particular infierno. Cada uno lo hace a su manera pero todos pasan por numerosos infiernos en sus vidas. Algunos consiguen salir dificilmente arrastrándose, pero con vida, mientras que otros vuelven a caer en sus errores una y otra vez hasta que  la tragedia (que también podemos llamar “ley natural”) se interpone entre sus vidas.

Me dejo muchas cosas en el tintero pero lo hago con la intención de hablar de ellas en un futuro, como por ejemplo las fantásticas promos que tuvo desde sus comienzos y lo bien que definen lo que es la serie o cómo cada uno de los casos y operaciones de los episodios, así como la música que escogían para la ocasión, son un simple reflejo y metáfora del estado emocional de los protagonistas.

Puede gustar más o menos o incluso nada en absoluto, pero no se puede negar que Nip/Tuck es una serie que merece ser recordada como una de las grandes de la década y de la televisión y así es como la recordaré yo. Se despidió de nosotros al ritmo de “All I Know” de Art Garfunkel, tema que también sonó en la season finale de la segunda temporada (ojo, como es evidente, el video contiene spoilers) además de servir como sintonía para la operación de Hiro Yoshimura, la última operación que realizan los cirujanos, y también como broche para una de las escenas finales de la serie. Con esa canción quiero despedir la entrada, un tema que parece escrito especificamente para esta serie con estrofas como:

The ending always comes at last
Endings always come too fast
They come too fast, but they pass too slow
I love you, and that’s all I know

I love Nip/Tuck, and that’s all I know.

El viernes pasado tuvo lugar en Madrid un pase de prensa especial en el que Canal+ preestrenó el primer episodio de la esperadísima nueva producción de la HBO, The Pacific. Nosotros estábamos invitados a asistir a dicho pase de prensa, pero por desgracia no pudimos estar presentes por imposibilidad de desplazamiento. El caso es que en un preestreno de semejante embargadura teníamos que tener presente a alguién que pudiese asistir en nuestro nombre y contarnos de primera mano sus impresiones sobre el piloto de una miniserie que está destinada a pasar a la historia de las grandes obras de arte de la televisión; asi que no nos lo pensamos dos veces y llevamos a Freddyvoorhees en representación del blog. A continuación os dejo con sus palabras. Sin spoilers.

Creo que yo era una de las pocas personas con series dudas sobre lo que podía ofrecernos The Pacific. Y es que es innegable que Hermanos de Sangre es una de las cumbres de la ficción televisiva, pero no lo es menos que los avances de The Pacific nos daban a entender que íbamos a encontrarnos a algo muy similar a lo que ya conocíamos y mi interés en volver a ver lo mismo pero ambientado en otro frente bélico no era excesivo. Sin embargo, tengo que decir que estaba equivocado, al menos en lo referente al arranque de ambas series, porque el piloto de The Pacific ya nos deja claro que el acercamiento que va a ofrecernos es diferente. ¿Mejor o peor? Para eso habrá que esperar a ver más episodios, porque ahora tan sólo puedo hablar del primer episodio.

Sé que no lo que voy a comentar no es el principal elemento de distinción entre ambas series, pero sí que creo que es el primer gran acierto de The Pacific: No se comete el mismo error (y a mi juicio único) de Hermanos de Sangre de extender en exceso la presentación de los personajes. Seguramente habrá quien no comparta este punto de vista, pero que en una miniserie bélica no entren realmente en combate hasta el tercero de ellos (si mal no recuerdo el primero era el entrenamiento y el segundo se centraba en el traslado al frente en helicóptero) me parece una pega relevante. Sin duda, este hecho se debe a la naturaleza coral de Hermanos de Sangre, donde existía de presentar a tantos personajes para crear una sensación de grupo unido para que el espectador empatizase con ellos que eso puede volverse en contra de la serie. Ojo, a mí es un elemento que apenas me molestó cuando vi la miniserie durante su infame emisión en Telecinco, pero también creo que es lo único realmente mejorable.

Sin embargo, en The Pacific la experiencia bélica se centra en tres personajes: Robert Leckie (James Badge Dale, al que los fans de 24 recordarán por su papel como Chase Edmunds en la tercera temporada), John Basilone (Jon Seda, al que ahora mismo recuerdo como uno de los protagonistas de Undercover, la serie que Antena 3 vendió en su momento como sustituta de 24 y por la que pululan caras hoy mucho más conocidas como Vera Farmiga) y Eugene Sledge (Joseph Mazzello, que en su día fue el chaval de Parque Jurásico). Este punto se ha aprovechado para agilizar notablemente la aparición de la guerra en la serie: Antes de acabar el piloto ya vemos la primera gran masacre (una genialidad la escena en la que se traslada al espectador la sensación de desorientación que padecen los soldados cuando toca abrir fuego) o se nos relativiza el carácter heroico de los soldados como grupo. Además, han aprovechado muy convenientemente el hecho de estar basada en varias novelas, ya que de entrada nos e quiere profundizar en exceso en los tres protagonistas, sino que el primer episodio se centra más en Leckie y el título, que puede leerse en imdb, del segundo de ellos parece dejar claro que será el momento de contarnos más detalles sobre Basilone.

Visualmente es verdad que la serie guarda varios elementos de unión con su hermana mayor, aunque a mí me da la sensación que al ser un episodio introductorio se centra más en la transición necesaria para entrar en combate que en aprovechar las particularidades del frente asiático. No me cabe duda que de aquí en adelante se aprovechará más este detalle, en especial cuando el factor jungla haga mayor acto de presencia. También destacar la muy apreciable banda sonora que ha compuesto Hans Zimmer, pero quiero comentar una pequeña pega al respecto: La composición empleada para los insuperables títulos de crédito iniciales (a mí personalmente ya me habían comprado completamente con ellos) está muy por encima del resto de canciones empleadas en el piloto. De nuevo, no me cabe duda que esto cambiará según avancen los episodios, pero es que sólo puedo comentar mis impresiones del piloto.

En resumen, el piloto de The Pacific es una estupenda introducción a lo que está por venir: Una historia más centrada en el drama de tres personajes concretos, un estilo visual cercano al de Hermanos de Sangre, pero que a buen seguro irá introduciendo elementos distintivos a medida que avance la guerra en el frente asiático y una sensación de realismo tan bien conseguida que resulta imposible ponerle pegas en este aspecto (con el dineral que ha costado lo raro sería lo contrario). Tal y como comenta un personaje hacia el final del primer episodio, lo que os espera el 14 de marzo cuando finalmente HBO estrene la miniserie es un Welcome to war, fellas. De ahí en adelante lo descubriré al mismo tiempo que vosotros.

¡Gracias por la crítica, Freddy!

Creo que todos los que hemos visto el piloto de How To Make It in America estábamos esperando el segundo episodio antes de ponernos a opinar sobre ella, para tener un poco más de idea de por dónde podría encaminarse y, de momento, lo que he visto me ha gustado lo suficiente como para hacerle un hueco a esta nueva serie de la HBO estrenada el pasado 14 de febrero.

No puedo decir que esperaba esta serie con ganas porque no es verdad. De hecho ni siquiera estaba dentro de mis planes ver el episodio piloto pero tratándose de un producto de la HBO, como mínimo, hay que concederle el beneficio de la duda y eso fue lo que hice. ¿Con qué me encontré? Con una serie que nos la quieren vender como “comedia” pero es una dramedia pura y dura. Es decir, una serie que se mueve más bien dentro del drama pero a la vez tiene momentos cómicos que consiguen sacarnos una sonrisa. Una sonrisa, no una carcajada.

El piloto en sí es un episodio bastante correcto pero nada destacable que sirve meramente de introducción de personajes. No nos aventura demasiado los caminos ni el tono que puede tomar la serie a lo largo de la temporada pero sí que nos deja claro el espíritu que va a tener. Con tan sólo ver el opening nos damos cuenta de que se trata de una serie muy dinámica y enérgica con una realización impecable y una música de lo más acertada y realmente eso es lo que es. Y hablando del opening, no puedo dejar pasar la oportunidad de incluirlo en esta entrada ya que se trata de una de las mejores cabeceras que he visto desde que True Blood nos dejó alucinados (a la vez que asqueados) con la suya la pasada temporada.

Precisamente la realización y estética de la que hablo son uno de los mayores logros de How To Make It in America. Ese retrato que se hace de la ciudad de Nueva York, alejado del aire glamuroso con el que solemos asociar la Gran Manzana y que incluso en ocasiones nos recuerda más a un documental que a una serie (en especial en las fantásticas cortinillas que encadenan las escenas). Para mí, ha sido lo que más me ha enganchado.

Como bien comenta Adri en su blog, los personajes son puro esteriotipo pero funcionan muy bien en sus respectivos roles y consiguen simpatizar rapidamente con el espectador (por lo menos los dos principales porque algunos secundarios todavía no tuvieron practicamente casi ningún protagonismo). No es que su historia nos importe demasiado, pero al igual que el ritmo de la serie, tienen un feeling que nos engancha y atrapa mientras nos vamos perdiendo por los rincones de la ciudad que nunca duerme.

Desde las primeras promos se quiso dar la impresión de que How To Make It in America es una Entourage en Nueva York pero con el mundo de la moda de fondo. No soy el más indicado para afirmar lo que voy a decir (más que nada porque de Entourage no he visto más que un par de episodios al azar en televisión) pero en lo que he visto, las dos series no tienen nada que ver la una con la otra. Las similitudes terminan con los productores que comparten ambas. Nada más. No te acerques a ella pensando que te vas a encontrar con una versión neoyorkina de Ari Gold porque más bien es todo lo opuesto. Te encontrarás con un grupo de jóvenes al final de la veintena y que todavía no sabe qué hacer con su vida ni cómo encaminarla.

Con todas las esperadísimas series que está a punto de estrenar la HBO, How To Make It in America no va a revolucionar la temporada televisiva ni creo que lo prentenda. Pero lo que está claro es que aquí hay mucho potencial por desarrollar y unido a todo lo que he dicho, hacen de ésta una serie digna de un voto de confianza por nuestra parte. Personalmente, creo que va a merecer la pena y, por lo que veo, tanto Adri como Alex están conmigo.

Una de las mejores cosas que tiene ir a la universidad es poder empezar desde cero, allí nadie te conoce y puede ser quien tú quieras que nadie sabe como eras en el instituto. Esto es lo que quiere hacer Danny, encontrar nuevas amistades y poder ser quien quiera. Pero todos sus planes se van al carajo cuando su mejor amigo del instituto, Shane, ha decidido ir a la misma universidad.

Y con Shane, llegan los problemas, ya que a pesar de que tiene buenas intenciones, la forma que tiene de hacer las cosas no lo son. Que quiere ayudar a ligar a Danny con una chica pues se inventa que es el mejor, por ejemplo, en rapear. Así que, capítulo tras capítulo no paran en meterse en líos y vemos como todo les sale mal.

Los personajes que completan la serie son Scarlett, por la que está coladito Danny, Fred (Jay en The Inbetweeners) que hace de emo, habla muy poco y cuando lo hace es para soltar un perla super pesimista. Y finalmente, aunque no es tan protagonista como los anteriores, tenemos a Weird Bloke, una persona que al principio no sabemos quien es pero que pone bakalao a todo volumen en su habitación para molestar a sus compañeros.

La serie, de momento, sólo tiene una temporada de siete episodios (como buena serie inglesa) de unos 25 minutos cada uno. Se ve muy rápido y a mi me entretuvo bastante. Tiene un humor muy similar al de The Inbetweeners, de la vergüenza ajena y es que como he dicho antes todo les sale mal y con razón. Por ejemplo, tienen un cita pero no tienen dinero para un buen restaurante, ¿qué se los ocurre? Para conseguir dinero deciden ofrecerse para probar medicamentos, os podéis imaginar como va la cita luego…

Es una serie divertida y si te gusta este tipo de humor puede ser una buena opción para pasar un buen rato. No es tampoco nada del otro mundo pero si te aburres una tarde, es una buena opción para dejar de hacerlo.

Para terminar os dejo con uno de los mejores momentos y es cuando Fred, el emo, muestra a sus compañeros una de las canciones que ha compuesto “What’s the Point“:

Hoy ha sido un día redondo. Para empezar es un festivo local, lo que significa no tener que ir a trabajar, o de lo contrarío no podría estar escribiendo estas palabras ahora mismo, y eso de por sí ya es bueno pero además también significa tener tiempo para dedicarlo a otros menesteres. En mi caso ha sido pasar una tarde casera poniéndome al día con algunos episodios atrasados de la semana pasada y con lo que no contaba encontrarme después de disfrutar de los fantásticos últimos episodios emitidos de Supernatural y Nip/Tuck (aprovecho para decir que Nip/Tuck nos está regalando los mejores episodios de toda la serie pero eso es otro tema y ya hablaré de la serie en cuando llegue la ocasión) es leer la confirmación de una noticia que nos veíamos venir desde hace varios meses: Supernatural ha sido renovada oficialmente por una sexta temporada.

¿Es una mala noticia o es lo mejor que podía pasar a la serie? De eso mismo voy a hablar en los siguientes párrafos y aunque en mi mente está escribir la entrada alejada de spoilers, va a ser inevitable hacer algunas referencias a la actual temporada en emisión, asi que si todavía no estás disfrutando con los Winchester en la quinta temporada ten un poco de cuidado con lo que vas a leer.

Antes de nada quiero dejar claro que estoy a favor de la renovación. Hasta hace un tiempo no lo estaba y era partidario de que la serie finalizase con la trama que está abordando en estos momentos y de hecho me parecía un final perfecto: ¿qué mejor final para una serie como Supernatural que la gran lucha entre el origen de todo mal contra el bien supremo? En otras palabras, el Apocalipsis pondría el punto y final en el recorrido de los hermanos Winchester. Pero a medida que iba viendo más episodios de la quinta temporada la idea de que la serie tuviese más vida después del final de este ciclo empezó a cobrar más y más sentido porque si algo he aprendido viendo Supernatural es a no desestimar el poder de la mente de los guionistas ni la de Erik Kripke, el creador de la criatura.

No nos engañemos. Ante todo Supernatural tiene esencia de procedimental aunque haya evolucionado hacia una trama un tanto más serial. Puede tener episodios dedicados íntegramente a la “trama central” como otros en los que volvemos a disfrutar como enamos viendo a los hermanos intentando resolver un caso, ya sea en un pequeño pueblo como en un hospital psiquiátrico. Muchos se refieren a estos episodios como episodios “de relleno” pero en verdad son lo que ha sido la serie desde sus comienzos. Ni más ni menos. A mí personalmente me encantan este tipo de episodios y los disfruto tanto como los que se centran en lo que llamamos la trama “serial”o “central” y en este sentido creo que Supernatural todavía tiene mucho que ofrecer y un largo camino mitológico por delante. Si funciona en antena y nosotros disfrutamos tando con cada episodio, ¿por qué no vamos a querer seguir disfrutando un poco más de las aventuras winchesterianas? Yo no veo el problema.

Que si. Que vuelvo hacer hincapié en que si Supernatural terminase en esta temporada lo haría con un broche de oro y el señor Kripke siempre dijo que había pensando en cinco temporadas para desarrollar toda la trama de la serie, pero también hace varios meses dijo que tenía en mente un nuevo ciclo para los Winchester si la CW le daba luz verde para una siguiente temporada y el canal lo ha hecho, ¿entonces por qué no vamos a querer seguir viendo en pantalla lo que Kripke nos quiere contar?

Que quede claro que no soy partidario de alargar las series por el mero hecho de que funcionen bien en antena (véase el fiasco de Smallville o Heroes) pero en este concreto caso sí que creo que  Supernatural puede seguir siendo tan original, fresca y divertida por un poco más de tiempo y seguro que se las ingenian en mayo para darnos una trepidante e histórica season finale y meternos en medio un elemento con el que no contábamos y que nos dejará con la boca abierta esperando el estreno de la sexta temporada. Puedo equivocarme y a lo mejor con una nueva temporada se ensombrece el legado de esta fantástica serie, pero como he dicho antes, confío plenamente en Erik Kripke y el equipo que trabaja con él. Si ellos dicen que si, yo digo ¡vamos de cabeza! Y vosotros, ¿qué decís?

En lo que todos estamos de acuerdo es en que se nos va hacer interminable la espera de más de un mes para volver a ver a los Winchester, pero la buena noticia es que cuando regresen lo harán para quedarse definitivamente hasta el final. Bueno, hasta el final de temporada que como ya sabéis los volveremos a tener entre nosotros en septiembre.

Lo he intentado. He tenido toda la paciencia del mundo con esta serie pero al final se confirmaron todas mis sospechas y llegué a una conclusión que siempre he pensado pero nunca me quise creer: por mucho que intente lo contrario, Dollhouse es una serie totalmente prescindible.

Haciendo un poco de memoria de lo que ha sido el recorrido de esta serie desde sus inicios, Dollhouse comenzó con tramas procedimentales y una original y potencial premisa de partida para pasarse posteriormente a una trama serial pura y dura. Es lógico que al principio se usen tramas procedimentales (para muchos las menos interesantes) para que podamos ir conociendo la función de los distintos personajes y el entramado en sí que supone el mundo de Dollhouse y una vez que ya estamos metidos de lleno en la historia, el caso de la semana se deja de lado para pasar a lo que realmente nos importa. Pues aquí confieso que disfruté mucho más con la primera temporada que con la segunda.

La segunda temporada fue todo un regalo por parte de FOX. Que renovasen la serie con unas índices de audiencia que casi rozaban los suelos se puede calificar de milagro. Los que vimos la primera temporada nos frotábamos las manos pensando en todo lo que nos podía deparar una nueva temporada después de ver el enorme potencial que había entre el material que tenía Joss Whedon entre las manos. Pero el problema estuvo en que la nueva temporada nos seguía dando más de lo mismo y por encima ahora la serie se hacía cada vez más cansina y soporífera.

Cada nuevo episodio se hacía interminable y no me aportaba absolutamente nada, pero tuve paciencia y aguanté. Aguanté porque entre tanto episodio prescindible, de vez en cuando, veíamos alguno entretenido y pronto supimos de la cancelación definitiva después de los 13 episodios encargados para la nueva temporada. Recuerdo que después de ver (en mi caso más bien aguantar hasta) el episodio 2×08 A Love Supreme comenté en twitter que si la serie no estuviese cancelada la abandonaba de una vez por todas porque, no sólo me aburría soberanamente, sino que también era obvio que llegados a este punto no iba a mejorar ni iba a darnos lo que estábamos esperando. Pero me equivoqué y tuve que rectificar mis palabras después de ver los episodios 2×09 Stop-Loss y 2×10 The Atic. Impresionantes. Por fín Dollhouse estaba siendo todo lo que esperaba de ella. Pero canté victoria antes de lo previsto porque los restantes tres episodios de la temporada (en especial los dos últimos) volvieron a ser bastantes aburridos y soporíferos. Y mejor ya no hablo del final de la serie, el esperadísimo Epitaph 2: The Return, un episodio que calificaría no sólo de aburrido sino de un sinsentido con momentos completamente absurdos y un punto y final de serie que deja mucho que desear.

No entiendo el profundo amor que se ha generado por esta serie. ¿Todo lo que lleve el sello de Whedon se convierte automáticamente en una “pequeña obra maestra” como he leído en algún blog refiriéndose a esta serie? Eso es lo que parece. Llamar a Dollhouse “pequeña obra maestra” es como decir, por poner un ejemplo, que Los Soprano fue la peor serie de la HBO. Joss Whedon no es mi showrunner favorito y ni siquiera está entre mis favoritos, pero por supuesto eso no quita que pueda alabar alguna de sus series si realmente lo merecen y, en mi humilde opinión, Dollhouse resultó ser una serie que se quedó a medio camino de lo que pudo ser con una primera temporada entretenida y una segunda temporada bastante mediocre pero eso sí, con dos episodios muy buenos.

Seguimos comentando algunos estrenos de esta cargada midseason, Felipe ya ha comentado los de Spartacus y Life UneXpected, y ahora me toca a mi comentar Human Target. Esta serie fue estrenada por el canal FOX y esta basada en los cómics del mismo nombre. El protagonista Christopher Chance es un agente privado que se encarga de proteger a sus clientes, actuando como blanco humano. En los cómics, se convertía en la persona en peligro mientras que en la serie se hace pasar por alguien cercano a la víctima.

En el piloto, Chance tiene que proteger a una empresaria, Stephanie Dobbs (papel interpretado por Tricia Helfer, BsG, Burn Notice, Chuck,…),  que ha sido amenazada, para ello se hace pasar por su traductor. Y así, los dos van a la inauguración de un tren de alta velocidad donde creen que el enemigo de Stephanie intentará atacarla.

La mayor parte del episodio es en el tren, donde Chance va observando y ubicando a los posibles enemigos. Para esto, cuenta con la ayuda de Winston y Guerrero que van investigando y se lo van comunicando. Hasta que se descubre todo y empieza la acción, hay una pelea en la que yo me perdí y ya no sabía quien se daba con la pared o quien iba ganando.

El episodio se hace muy entretenido, el personaje principal resulta carismático y le vemos que se desenvuelve en todas las situaciones a la perfección. Y al final, se deja ver que Chance actúa así como si no le importara morir por algo que le sucedió en el pasado. Quizá a medida que avancen los episodios se pueda poner la cosa más interesante sobre el pasado del personaje, pero yo dudo que lo vea.

Cuando vi el piloto me gusto y dije otra serie más para ver, de hecho por twitter lo dije que me había gustado y que me resultó muy entretenido. Y es verdad, pero ya hace unas semanas de esto y tengo tres episodios acumulados que nunca tengo ganas de ver. Esto es una señal, y hay muchas más series por ver. Así que, yo me bajo del tren (nunca mejor dicho) de Human Target.

“You have to know something about me, is that I’m a whore.

I’m very high class, wich means I charge by the hour and a charge a lot“

Con estas palabras se presenta Hannah, una joven recién salida de la universidad que cansada de buscar trabajo, decide iniciarse en el mundo de la prostitución de lujo comenzando así una doble vida. Por un lado está Hannah, de cara a sus amigos y familiares es una secretaria que trabaja en el turno de noche en una importante empresa y por otro lado está Belle, una prostituta de alto standing que cobra cantidades desorbitadas por sus servicios. Al principio Hannah mantiene perfectamente separadas sus dos vidas, pero poco a poco las fronteras entre las dos empiezan a difuminarse peligrosamente.

No penséis que Hannah es una víctima de una infancia difícil o llena de abusos. Hannah elige dedicarse a la prostitución porque le encanta el sexo y disfruta muchísimo con su trabajo. Es muy inteligente, divertida, independiente y sumamente detallista. Hannah crea e inventa un personaje (Belle) cuidado hasta el más mínimo detalle. Su cuerpo es su trabajo y templo, asi que no escatima en lujos ni en caprichos. Gran parte de sus ganancias las reinvierte en Belle y así se asegura seguir siendo una de las chicas más solicitadas y deseadas por sus clientes.

Desde el primer momento Hannah se confiesa ante la cámara. Sabe que la estamos mirando y somos testigos de todo lo que hace y por eso nos va explicando cada uno de sus movimientos o pensamientos. Esto es algo que no me suele gustar en las series (por ejemplo, lo odiaba cuando lo hacía Carrie en los primeros episodios de Sexo en Nueva York) pero en esta serie en concreto me encanta e incluso me parece necesario. En cierto modo las narraciones y confesiones de Hannah me recuerdan a las de Dexter, ambas se pueden considerar el motor de las series y son de extremada importancia para la historia.

Teniendo a la protagonista que tiene, es de suponer que nos vamos encontrar con una gran variedad de escenas sexuales y fetichismos de todo tipo pero casi siempre rodadas desde un punto de vista que aporta bastante humor a la escena o al momento en cuestión. Pero no sólo por ver a Billie Piper en estas situaciones merece la pena darle una oportunidad a esta serie británica original del canal ITV y que en USA emite Showtime, sino porque Secret Diary of a Call Girl es una serie de calidad muy divertida, ingeniosa y, como ya he dicho en otras ocasiones que he hablado de ella, un soplo de aire fresco dentro de la televisión de nuestros días. Y tranquilos que aquí no hay jucios morales sobre la prostitución. Es un hecho que se presenta y punto.

La semana pasada se estrenó la tercera temporada y tengo que decir que lo ha hecho en una forma envidiable y manteniendo la calidad y el nivel al que nos tiene acostumbrados. Cada una de las temporadas está formada por 8 episodios con una perfecta duración que ronda los 22 minutos,  lo que la hace una gran candidada para pequeñas sesiones maratonianas y aviso de antemano que es una serie muy adictiva. En cada temporada se explora una diferente faceta de la vida personal de Hannah: la amistad, el amor… y no entro en más detalles para no soltar ningún spoiler. Por cierto, en España se estrenó en FOX bajo el nombre de Servicio Completo y a día de hoy el canal naranja ya ha emitido las dos primeras temporadas y continúa emitiendo reposiciones.

Secret Diary of a Call Girl es una serie mucho más que recomendable y que por desgracia creo que no somos muchos los que disfrutamos de ella. Pero espero que esto cambie pronto y como dicen que una imagen vale más que mil palabras, termino las mias con el fantástico trailer de presentación de la serie que emitió Showtime en su día. Por mí parte también os aconsejaría ver el video de la genial cabecera de la serie con la sintonía del You Know I’m No Good de Amy Winehouse o el nuevo trailer de la tercera temporada pero como considero que este último tiene spoilers de la trama, que sea vuestra elección si pincháis sobre el link aunque honestamente, ¿todos sabemos que la serie se basa en un personaje real y sabemos cómo ha terminado dicho personaje, no? Pues eso.

Si todavía no conocéis a Hannah (y Belle) va siendo hora para que le pongáis solución. Prometo que tendréis diversión garantizada, entre otras muchas cosas.

Mad Men es una de las series más influyentes del panorama actual y no lo digo sólo por la enorme cantidad de premios que lleva a sus espaldas (recientemente ganó su cuarto Globo de Oro -tercero consecutivo como mejor serie dramática – y su segundo premio del Sindicado de Actores), sino porque se ha convertido en toda una influencia en la moda de Estados Unidos y un referente e inspiración en las colecciones de varios diseñadores. Hasta tal punto la serie tiene influencia en la moda que incluso se ha diseñado un traje insparado en Don Draper, el personaje que tan brillantemente interpreta Jon Hamm.

No hace falta ver la serie para saber que uno de sus puntos fuertes es la ambientación y el vestuario, cuidados hasta el más minúsculo detalle. Si a esto le sumamos la situleza que caracteriza los guiones de Mad Men combinada con el arte de contar a través de miradas, gestos o incluso objetos tenemos una serie en la que, por ejemplo, un traje o vestido de un personaje nos refleja su estado de ánimo o su personalidad. No hay que darle demasiadas vueltas a la cabeza para darse cuenta de que cada personaje se viste entre una misma gama de colores que reflejan sus sentimientos: a Betty siempre la veremos vestida con tonos pastel (un personaje discreto y dulce), a Joan con tonos vivos como los rojos o naranjas (un personale “explosivo”). En palabras de los propios actores “el ponerte el traje ya es la mitad de tu papel“. Si os interesa este tema, os podéis pasar por la web oficial de la serie en Digital+, en donde incluso se incluyen varios videos explicativos, y también os aconsejaría leer la interesante entrada que escribió Marina hace unos pocos días.

Os estoy contando todo esto porque Canal+ y el prestigioso diseñador Javier Larrainzar (al que podéis ver en la foto) han colaborado con el ánimo de convertir el mundo Mad Men en algo tangible. El resultado de este acuerdo ha sido la creación, por parte de Larrainzar (que se declara por supuesto un fan de la serie), una corbata con el nombre de Mad Men, que pretende reflejar el espíritu de los ambiciososo ejecutivos de Madison Avenue de los años 60. Es una corbata clásica, estrecha, con unas medidas propias de la época pero decorada con unas rayas que la dotan de una geometría atemporal y única.  Aquí tenéis la imagen del resultado de este original proyecto.

Desde el primer momento que tuve constancia de esta creación, aplaudí la idea pero lo que no me esperaba es que iba a tener la corbata en mis manos y, como ya he dicho a través de twitter, desde el viernes pasado es mia. Una vez más me quito el sombrero ante el trabajo de promoción de Canal+ y les vuelvo a dar las gracias por obsequiarnos con semejante presente. Si una serie merece esta promoción, ésa sin duda es Mad Men.

Recordad que Canal+ ha estrenado el pasado 9 de enero la maravillosa tercera temporada de Mad Men y cada sábado, a las 21:30 horas, emite un nuevo episodio. Y por último, tampoco os perdáis el documental de producción propia “Mad Men, los tiempos cambian”. Merece mucho la pena.