Después de la más que grata sorpresa que supuso ‘¿Qué fue de Jorge Sanz?‘, la primera serie de producción propia de Canal+, el canal de pago se atrevió con una miniserie que no tiene nada que envidiar a grandes producciones americanas (o inglesas).

‘Crematorio‘ está basada en la novela homónima de Rafael Chirbes y nos cuenta una realidad, la de la corrupción y especulación urbanística, con la que estamos bastante familiarizados en este pais. No voy a entrar en explicaciones para no desvelar los detalles del fantástico entresijo que forma la trama, pero aquí estamos hablando de una historia en la que hay mucha manipulación, venganzas, pactos secretos, engaños, ambición, políticos y toda clase de personajes corruptos, mafia rusa y, sobre todo, muchos claroscuros morales.

Lo que más llama la atención de ‘Crematorio’ es lo primero que nos viene a la cabeza al ver cualquiera de sus 8 episodios: no parece una serie española. Cuenta con una producción que se mueve más entre lo cinematográfico que lo televisivo y, por supuesto, cuidada hasta el más mínimo detalle. La destreza y habilidad del guión a la hora de presentarnos a los personajes, situaciones o planteamiento y resolución de cliffhangers habla por sí sola y debería servir de ejemplo para muchas de las producciones patrias de lo que debe ser un buen guión.

Pero un buen guión sin una buena dirección y buenos actores no son más que palabras y en el caso de ‘Crematorio’, en su reparto encontramos a otro de sus puntos fuertes. Un imponente José Sancho da vida a Rubén Bertomeu, uno de esos personajes de cuestionable moral que no sabes si adorar u odiar, pero de los que dejan una huella imborrable en la televisión.  Él es el epicentro de la historia y el que maneja (y manipula) todos los frentes, a veces en beneficio propio y otras veces para proteger a los suyos sin importar las consecuencias. Pero el peso de la serie no cae solamente en los hombros de Sancho/Bertomeu, sino que la que se encarga de interpretar a su hija también soporta una considerable carga y lo hace de la mejor de las formas. Alicia Borrachero está absolutamente espléndida y maravillosa toda ella y termina haciéndose (merecidamente) con gran parte del protagonismo de la serie, sin olvidarnos tampoco de Juana Acosta y su estupendo trabajo en un papel mucho más complicado de lo que podemos pensar a primera vista.

Como la mayoría de las grandes series, ‘Crematorio’ es de cocción lenta, o mejor dicho, empieza a fuego lento para luego terminar en plena ebullición. Es una serie que la HBO estaría orgullosa de producir y encajaría perfectamente dentro de su programación. Pero aunque lo parezca, no, no es de la HBO.

Sin dudarlo ni un segundo, os recomiendo encarecidamente que le deis una oportunidad o que directamente os hagáis con el Blu-ray o el DVD que se pondrán a la venta dentro de unos días, a un módico precio y repletos de extras de lo más interesantes. Para empezar podéis echarle un ojo a la genial cabecera de la serie (al estilo ‘True Blood’) y al video que os dejo a continuación y corresponde con uno de los trailers que usó Canal+ para promocionarla.

Amigos, esto no es televisión, es Canal+.

Con todas las cosas pendientes que tengo de las que hablar, hoy recordé que una de las joyas de la temporada pasada está a punto de regresar y, como cualquier situación es buena para darle un poco de bombo a una serie como ‘Treme‘, no me pude resistir la oportunidad de volver hablar de ella repasando algunas de las mejores promos que llevan varias semanas anunciando el estreno.

No hay spoilers en el texto, salvo los que pueda haber en los videos promocionales (que tampoco considero que los haya, pero yo aviso).

Que ‘Treme’ no es una serie para las masas no es ningún secreto y el propio David Simons (el creador) es muy consciente. Que su respuesta a ello sea un agresivo “que se joda el espectador medio” no ayuda tampoco mucho a la hora de recomendarla. Pero oye, yo aplaudo esa respuesta. Es su serie y la hace a su manera y no pensando en captar audiencia o conquistar a un público que realmente no le interesa. Sus productos, de acuerdo a sus palabras, tienen que transmitir un mensaje. Los que hemos visto la primera temporada de ‘Treme’ (o ‘The Wire’) somos muy conscientes de que sus series lo hacen y tienen un transfondo que va más allá. En otras palabras, es una forma de arte en todo su explendor y un arte destinado a los paladares más exquisitos.

Los afortunados que han visto los primeros episodios de la nueva temporada (cómo los odiamos y envidiamos, ¿eh?) aseguran que en esta segunda temporada ‘Treme’ sigue teniendo la fuerza que siempre tuvo, mientras que a su vez han corregido algunas de las debilidades. Con sólo esta frase, a mí ya se me hace la boca agua.

Se dice que después de la tormenta, llega la calma y la segunda temporada nos sitúa en la calma de los 14 meses después del desastre del Katrina. A los personajes les van mejor las cosas que la última vez que los dejamos y poco a poco sus vidas vuelven a tomar el camino que tenían antes del huracán. Pero Nueva Orleans sigue siendo la imagen viviente de lo que allí pasó, con la diferencia de que ahora la gente está empezando a regresar; pero no sólo regresan los lugareños dispuestos a reconstuir sus antiguos hogares desde los cimientos, sino que la delincuencia también lo hace. Supongo que ésta será una de las nuevas tramas, teniendo en cuenta la incorporación de un teniente de policía en el reparto al que dará vida David Morse. Otra cara conocida que se añade a los nuevos episodios es la de Jon Seda, al que recientemente vimos en esa maravillada llamada ‘The Pacific‘.

Dicen que los primeros episodios de la temporada (los cinco que han enviado a los críticos) están repletos de grandes momentos, tanto para los personajes como para la gente de la cuidad como una unidad. Y atentos a la emotividad de un funeral de un músico local que veremos en estos primeros episodios (aunque no al principio). La grandeza y emotividad que pueden tener los funerales en ‘Treme’ es algo de lo que ya fuimos testigos en la primera temporada, asi que es fácil imaginar este momento como uno de los destacables y que dejan huella de la nueva temporada.

Mañana por la noche la HBO estrena la segunda temporada de esta serie que ,a pesar de ser aclamada por la crítica, pasó totalmente desapercibida por los premios. La música, el jazz y unos personajes llenos de vida en un entorno en el que reina la desolación volverán a inundar nuestras pantallas. Seremos pocos los que lo disfrutemos, pero la verdad, eso lo hace todavía más especial. Envuelve tus problemas en sueños, que estamos en Treme.

Si. Ya sé que hace un par de días estaba hablando del culebrón ‘Mad Men’, pero después de seguir el tema de cerca, uno casi siente la obligación de comentar brevemente cómo ha terminado todo esto de la renovación más agónica y larga que recuerdo. Si has vivido este tiempo debajo de las piedras y no sabes de lo que estoy hablando, la situación empezó a calentarse aquí y luego estalló aquí. A continuación, el desenlace de todo. Y no sufras ni te quedes pensativo porque, como en todo cuento, aquí también hay final feliz.

La última vez que hablamos de la situación nos quedamos en que AMC (el canal) y Lionsgate (la productora) habían obrado por su cuenta dando luz verde a la producción de la quinta temporada sin llegar a un acuerdo con el creador de la serie. Al día siguiente de conocerse la noticia, Matthew Weiner habló sin pelos en la lengua confesando que no tenía noticias de la cadena desde hace tres semanas y mucho menos tenía constancia del movimiento que había hecho. Pero no se quedó ahí. No dudó en desmentir que la cifra del acuerdo que estaba a punto de cerrar con el canal y que lo convertiría en el showrummer mejor pagado del cable básico era mentira. Además añadió que el dinero no era el problema para él. Que estaba luchando con todas sus fuerzas por la serie e incluso ofreciéndose a cobrar menos para salvar a los actores del recorte que quería el canal, pero que cuanto más fuerte luchaba, más dinero le ofrecían.

El panoraba no era bonito y Weiner sonaba un tanto resentido, pero ayer todo cambió. Llegó el tan esperado acuerdo. Por fín el creador de la serie consiguió llegar a buen puerto con el canal que la emite y con la productora de la misma. Y por los pelos. Hay que decir que Weiner estuvo a punto de abandonar, pero al final ambas partes consiguieron llegar a un acuerdo sobre los tres puntos causantes de todos los problemas: más product placement en la serie, recortar 2 minutos de cada episodio para aumentar el espacio publicitario y eliminar a dos actores regulares.

¿En qué consiste el acuerdo final?

• En cuanto al product placement. No va haber cambios respecto a la política actual de la serie. Weiner admite que en las cuatro temporadas de la serie hubo tres casos de product placement y no quiere que esto cambie de manera sustancial, es decir, no quiere una serie en la que el espectador sienta que le están vendiendo algo.
• En cuanto a los recortes de 2 minutos en cada episodio para aumentar la publicidad. Weiner podrá seguir rodando episodios de 47 minutos que estarán disponibles en los DVD y Blu-ray de la serie, así como en otras “plataformas alternativas” (como puede ser el video bajo demanda, iTunes, etc…). La season premiere y la season finale de la quinta temporada que emita AMC tendrá una duración de 47 minutos, pero los 11 episodios restantes que emita el canal sufrirán un recorte de 2 minutos supervisado por el propio Weiner.
• En cuanto a lo de eliminar a dos actores regulares, aquí Weiner gana por goleada: tiene el reparto íntegro asegurado por dos temporadas más. No tiene que eliminar a ninguno de los actores (ni principales ni secundarios), pero por supuesto se reserva el derecho de hacerlo en base a decisiones creativas si el guión lo requiere.

¿Weiner se embolsa los 30 millones de dólares por seguir en la serie?

Todo apunta a que el contrato oscila entre 25 y los 30 millones, aunque los 30 millones es la cifra que más se escucha. A través de este contrato Weiner se compromete a estar al frente de la serie durante tres temporadas más (no por dos, como se habló en un primer momento) y asegura que la serie terminará en la séptima temporada y que no quiere verse de nuevo en una negociación como esta. Y no tendrá que hacerlo, ya que AMC ha renovado oficialmente a ‘Mad Men’ por una quinta y sexta temporada. Que el contratro con Weiner se extienda hasta una séptima temporada y que él mismo asegure que quedan por delante las tres últimas temporadas de la serie nos hace pensar que, apesar de que la serie esté renovada oficialmente por dos temporadas más, realmente ‘Mad Men’ tendrá siete. ¿Y entonces por qué se renovó oficialmente a la serie por dos temporadas más, pero Weiner tiene contrato por tres más? Porque los actores tienen contrato hasta la sexta temporada y una séptima implicaría una nueva negociación, que bajo estas circunstancias no creo que tenga mayor problema que el de ampliar los contrato a los actores a su debido momento por un año más (con un incremento de sueldo, supongo).

Con este contrato Weiner está más feliz que unas castañuelas al poder terminar la historia que quiere contar y en el tiempo que él quiere. De hecho hoy mismo regresó al trabajo y los guionistas harán lo suyo dentro de 4 o 5 semanas. El rodaje de la serie comenzará en julio y el estreno de la quinta temporada tendrá lugar en marzo de 2012. Curiosamente el estreno de la temporada fue el único punto en donde Weiner no se salió con la suya, ya que intentó que fuese a finales de este mismo año pero AMC no tiene hueco en la parrilla hasta marzo.

Serán 17 largos meses sin ‘Mad Men’, pero una oportunidad fantástica para revisionar las cuatro temporadas (o disfrutarlas por primera vez, en otros casos) mientras combatimos el mono madmeriano. Y no os precupéis que este parón no influye para que la serie pueda optar a participar en los Emmy de este año, ya que la emisión de la cuarta temporada entró dentro de los límites y, por tanto, entra a participar y dudo mucho que salga con las manos vacías.

Y con esto y un bizcocho llegamos al final de este largo y conflictivo cuento de renovaciones y no renovaciones, de acuerdos que no llegan y de puñales en la espalda. Pero ya se sabe que el final feliz debe prevalecer y en este caso lo hizo. Y nosotros los más felices de todos.

El culebrón por la quinta temporada de ‘Mad Men‘ entre Matthew Weiner y AMC parece que no acaba. No hace mucho comentábamos los desacuerdos entre el canal y el creador del aclamado drama de época que impedían dar luz verde al inicio de la producción de los nuevos episodios (recordemos que el canal ya la había renovado oficialmente por una temporada más). Los acuerdos entre las dos partes no sólo no han llegado a buen puerto, sino que cada vez se complican más y más.

La razón de todos los problemas está en el dinero, por supuesto. Por un lado AMC está a las puertas de cerrar un acuerdo con Weiner por el que éste se embolsará la friolera cantidad de 30 millones de dólares por estar dos años más detrás de ‘Mad Men’, convirtiéndose así en el showrunner de cable básico mejor pagado. Pero Weiner no pelea sólo por incrementar su salario, sino que se niega a aceptar tres puntos que proponen el canal y la productora: integrar el product placement en la serie (o lo que es lo mismo, la publicidad por emplazamiento), recortar dos minutos de cada episodio para aumentar el tiempo de publicidad y prescindir de dos actores regulares para reducir el presupuesto.

Weiner, que todos sabemos que tiene sus manías y neuras y no es presa fácil para la negociación, se niega a dar el brazo a torcer en estos tres puntos y las fuentes afirman que siente que el canal se la está jugando y alegan que nadie conocía a AMC antes de la llegada de Weiner y ‘Mad Men’. En parte esto es un poco verdad, ya que AMC era un canal especializado en la emisión de películas clásicas (de hecho el nombre es un acrónimo de American Movies Classics) que llevaba un tiempo intentando captar a nueva audiencia; pero no lo consiguió hasta el 2006, con la llegada de un tal Charlie Collier que se encargó de tomar las riendas del canal y cuyo objetivo y meta se encontraba en la producción de series originales. ‘Mad Men’ fue la primera de sus producciones, además del primer gran éxito, y el resto es historia.

Estos desacuerdos, aparte de no pintar nada bien, obligaron a retrasar el estreno de los nuevos episodios hasta finales de año (apuntaban algunos optimistas) o hasta principios del año que viene (que es lo que realmente va a pasar). Pero parece que AMC y Lionsgate se están empezando a cansar de este culebrón que se traen entre manos con Weiner y esta misma tarde se hizo público que el canal ejerció su derecho (junto a la productora) de dar luz verde oficialmente para que empiece la producción de la quinta temporada sin tener todavía un acuerdo con el creador de la serie. AMC y Lionsgate lo tienen claro: la serie va a regresar a principios del 2012, con o sin Weiner abordo. Esta táctica, sin duda, es una “bonita” forma de presionar a Weiner y casi obligarle a aceptar (algo que, a todo esto, también hicieron hace dos años y al final la jugada les salió perfecta). Ahora toca esperar la respuesta por parte del creador de ‘Mad Men’. ¿El culebrón ha terminado? Ni mucho menos, pero ahora podemos afirmar con seguridad que Don y compañían regresarán a principios de 2012 y algo me dice que será con la última temporada de la serie. Sea como sea, aquí todavía quedan ríos de tinta por correr.

Actualización: Se ha confirmado que la quinta temporada se estrenará un poco más tarde de lo previsto, en marzo de 2012 (17 meses después de finalizar la cuarta temporada).

En silencio y haciendo las cosas bien. ‘Big Love‘ se despidió este domingo de la misma forma que se mantuvo en antena durante cinco temporadas: sin hacer mucho ruído, pero ofreciendo un espectáculo digno de ovación. A pesar de tener a la crítica de su lado, sobre todo en las tres primeras temporadas, contar con el nombre de Tom Hanks detrás de la producción y conseguir varias nominaciones en los Globos de Oro y en los Emmy tanto para su reparto (Cloë Sevigni se llevó el Globo de Oro en 2010 a mejor actriz secundaria) como para la serie; ‘Big Love’ siempre fue una de las grandes infravaloradas e ignoradas de la HBO (con permiso de ‘The Wire’) y este hecho se mantuvo hasta su final.

¿La muerte de ‘Big Love’ despertará las inquietudes de algunos y llegará a convertirse dentro de unos años en una aclamada serie de culto como le pasó a ‘The Wire’? Me gustaría decir que si, pero sinceramente no lo creo. Es una serie que tiene demasiadas papeletas para no gustar “al gran público”, empezando por tratar un tema tan peliagudo como es el de la poligamia y todo lo que conlleva. Por tanto, hay grandes dosis de religión y política que puede echar para atrás a más de uno; pero, aunque lo pueda parecer, ‘Big Love’ no es una serie sobre religión o sobre política. Es una serie sobre tres mujeres muy diferentes que forman un solo conjunto. Sobre sus problemas y sus vidas como individuos y como hermanas-esposas.

Hace tiempo expuse algunas de las razones que hacían a ‘Big Love’ una gran serie y hoy podría exponer otras tantas intentando convencer de sus maravillas (que son muchas), pero no lo haré porque reconozco que es un producto destinado a un público muy concreto que a estas alturas ya conoce todas sus virtudes y no hace falta que un servidor se ponga a enumerarlas. Por eso, mi despedida a ‘Big Love’ es más bien un homenaje personal y reconocimiento hacia una de las grandes series que todavía teníamos en emisión.

Pero no todo en ‘Big Love’ ha sido lo bueno que debería. Las tres primeras temporadas son con diferencia las mejores y en donde la serie vivió sus años dorados. Cada una superaba en nivel a la anterior, se mirase por donde se mirase, pero la propia trama llevó a la familia Henrickson a un punto de inflexión en la serie del que les costó mucho recuperarse:  la cuarta temporada.  Por varios motivos (que ya comenté en su momento) marcó un antes y después en la familia y puso el mundo de los Henrickson patas arriba. La crítica y el (poco) público de la serie se llevaron las manos a la cabeza, yo incluído, al encontrarse con una temporada repleta de tramas innecesarias y aburridas, hasta tal punto que la propia Cloë Sevigni admitió en una entrevista la verguënza ajena que sentía por semejante porquería de temporada y pidió disculpas a la audiencia por verla (luego también tuvo que pedir disculpas por las declaraciones que había dado, pero eso es otro tema). Intentaron abarcar demasiadas tramas en pocos episodios y tuvieron el mal ojo de centrarse principalmente en las que menos interesaban, pero la HBO concedió a Mark V. Olsen y Will Scheffer (los creadores) la gracia de una temporada más para enmendar sus errores y despedir la serie de la forma que se merecía.

No fue fácil reconducir y encaminar a buen puerto todo lo que había pasado en la temporada anterior, pero por suerte lo hicieron más que satisfactoriamente. Se dieron cuenta de que uno de los grandes fallos de la serie había sido meterse en la camisa de la política y por eso en la última temporada se trató de forma bastante superficial (a excepción de los primeros episodios) pasando a dar importancia a lo que realmente la tenía. Barb, Nicki y Margene volvieron a llevar las riendas, mientras que Bill siguió siendo la mecha causante de todos los problemas (como siempre fue).

Como pasa con esto de los finales, el de ‘Big Love’  no es menos y hay para todos los gustos. Sin entrar en detalle diré que están los que afirman que decidieron irse por la vía simple en vez de afrontar los problemas de cara y, en otro lado, nos encontramos los que decimos que ha sido un cierre perfecto (los minutos finales son excepcionales) en el que ha prevalecido el verdadero espíritu y esencia de la serie. La familia es lo primero y el vínculo que la une es algo que se lleva a la eternidad.

‘Big Love’ nos ha dejado con cinco temporadas a sus espaldas e incontables momentos que ya forman parte de nuestra memoria televisiva. Como toda serie, tuvo sus altibajos pero supo asumir sus errores con la cabeza bien alta. Aunque si algo nos deja, además de haber sido la lanzadera de actores como Aaron Paul (‘Breaking Bad’) o la cinéfila Amanda Seyfried, es a tres de los mejores y más sólidos personajes femeninos que nos ha dado la televisión y un nuevo significado a eso de God only knows what I’d be without you.

“Ni lo sé, ni me importa“, pueden responder algunos despistados al leer el título de esta entrada. Pero no. No me estoy preguntando qué ha sido de uno de los niños guapos del cine español, sino voy a hablar (por primera vez en el blog) de una serie española que merece mucho la pena y que se aleja con éxito de todos los estándares conocidos por los productos patrios.

No voy a negar que no soy dado a la ficción española, y cualquiera que me conozca mínimamente lo sabe, pero después de todos los elogios escuchados acerca de la primera serie producida por Canal+ y comprobar por mí mismo la calidad de la segunda producción original del canal (‘Crematorio’), no tuve más remedio que verlo con mis ojos. De lo único que me arrepiento en estos momentos es de no haber estado en la presentación en el II Festival de Series de Madrid cuando tuve la oportunidad, pero mi reticencia a lo español pudo conmigo. Nunca más dudaré de una serie de Canal+, eso está claro. Pero volvamos al tema, que se me va la cabeza.

Como he dicho, ‘¿Qué fue de Jorge Sanz?’ supuso la primera serie de producción propia de Canal+ y está creada por el propio Jorge Sanz y David Trueba, que también se encarga del guión y la dirección. Se puede decir que es una miniserie, ya que consta tan sólo de 6 episodios que vienen durando sobre media hora (aunque alguno dura un poco más) y uno de sus grandes aciertos es el del juego que se trae entre ficción y realidad. En la serie se nos retrata el día a día de Jorge Sanz y sus esperanzas de resurgir entre las cenizas buscando el ansiado proyecto que le devuelva a los días gloriosos que vivió hace años y le saque de la decandencia (personal y profesional) que está pasando.

Pero la gran baza de la serie es la capacidad que tiene de reirse de sí misma, pero principalmente de la persona y personaje de Jorge Sanz. Todos los clichés que imaginamos sobre el actor, los encontramos aquí multiplicados por tres: mujeriego, irresponsable, inmaduro, vividor… La humillación a la que se ve sometido Sanz y las situaciones que desencadena, a veces de vergënza ajena, son los factores responsables del humor incómodo y absurdo en el que se mueve esta serie. En este sentido, el comparativo más cercano lo encuentra en series como ‘Crub Your Enthusiasm’ con la que comparte mucho más de lo que parece. Ahí es nada.

Hablar de ‘¿Qué fue de Jorge Sanz?’ sin mencionar la larga lista de cameos importantes que nos encontramos a lo largo de los episodios sería un pecado. Desde Carlos Larrañaga hasta Juan Diego Botto, pasando por Aña Risueño, Juan Luis Galiardo, Javier Veiga, Santiago Segura o un genial Antonio Resines (que tampoco duda en reirse de su figura) entre otros. Y no, no me olvido de ese robaescenas que es Eduardo Antuña y su grandioso personaje de Amador (representante de Sanz, pero quesero de nacimiento). Frase que suelta por su boca, carcajada asegurada. Ah, y atentos al personaje de Miguel Ángel Lamata (el director friki-visionario). Brutal.

Que sea una serie de Canal+ (no se me ocurre ningún otro canal que la pudiese emitir)  limita el verla de manera considerable a todos los que no somos abonados, pero no nos engañemos, de la misma forma que vemos “otras series” al día siguiente de su estreno en US podemos ver esta también. Y tengo que decir que no hay que buscar demasiado para encontrarla. En serio, merece mucho la pena. Hacedme caso.

Con sus series, Canal+ nos está demostrando que es posible hacer televisión de calidad en España, con un factura más propia del mercado americano, y ‘¿Qué fue de Jorge Sanz?’ ha sido la primera prueba (‘Crematorio’ la segunda, pero ya hablaré de ella más adelante). Si todavía no estás convencido, echa un vistazo al siguiente video promocional con la música de Darren Hayman (encargado de la banda sonora) y piénsatelo dos veces porque te estás perdiendo una serie muy buena. Por cierto, no sé si es cosa mia o no, ¿pero la música de ‘Episodes’ no os recuerda sospechosamente a la de esta serie? Lo dicho, ‘¿Qué fue de Jorge Sanz?’  hay que verla. Super Sanz (y Amador viéndole el culo) es mucho.

Esta noche Antena 3 estrena en prime time la aclamadísima ‘Downton Abbey‘, la serie que consiguió elevarse a los altares seriéfilos y colocarse entre las que consideramos ” imprescindibles” y hacer tan lograda hazaña con tan sólo una temporada de 7 episodios (una temporada brillante como pocas, eso es así).

‘Downton Abbey’ es calidad. Calidad exquisita. Y algo me dice que la audiencia no va a reponder mal ante una propuesta como esta. Ojalá no me equivoque y esto sirva un poco de precedente para que los canales “importantes” empiecen a ver que hay más posibilidades además de la ficción americana y grande series que se quedan a las puertas de nuestro país sin conseguir una triste oportunidad.  Pero el caso que nos ocupa ahora mismo no es ese, ya que ‘Downton Abbey’ encontró su hueco en la televisión de España y yo no puedo dejar pasar la oportunidad de recomendarla una vez más a los que todavía no tenéis el gusto de conocer ni a los Crawley ni a sus sirvientes. Y no tenéis excusa para no hacerlo, porque según tengo entendido, Antena 3 emitirá la serie en dúal con opciones de subtítulos en español. Más no se puede pedir.

Pero el estreno de ‘Downton Abbey’ en España no sólo me sirve para hablar de las maravillas de la serie una vez más, sino también me viene de perlas para enlazar con algunas de las últimas propuestas de la televisión británica que he tenido el gusto (o disgusto, dependiendo del caso) de disfrutar. Comienzo hablando de uno de los estrenos más originales y también más arriesgados que tuvieron lugar ultimamente por tierras inglesas. Se trata de la primera serie original del canal Sky1, ‘Mad Dogs‘, una serie de 4 episodios rodada íntegramente en Mallorca y con un reparto de cierto renombre (Ben Chaplin, Max Beesley, John Simm, Marc Warren, Philip Glenister o María Botto).

La serie se definió como “una laberíntica pesadilla de mentiras y engaños“. Un thriller con altas dosis de humor negro en donde una serie de acontecimientos convierten lo que iban a ser unas tranquilas vacaciones de cuatro amigos en una locura de proporciones gigantescas. Quien me sigue a través de twitter sabrá que los primeros episodios me parecieron magníficos. La atmósfera caótica, sucia y un tanto claustrofóbica se retrata de forma muy lograda. Pero el problema nos lo encontramos en el desenlace de la historia.

Toda la serie es una gran y completa ida de olla, pero el final se lleva la palma en este sentido. Las cosas se salen tanto de madre que cuesta imaginar un cierre que satisfaga todo el recorrido hecho y, en el último momento, optan por tomar la tangente más fácil. Es una pena porque ‘Mad Dogs’ podría haberse convertido en una auténtica serie de culto, potencial y ganas no le faltan, pero termina por quedarse en una absoluta locura, muy entretenida, a la que le fallan los últimos minutos.

Y ya que estoy hablando de fallos, no puedo dejar atrás dos estrenos que fueron un fail en toda regla. Del primero ni siquiera me molesto demasiado en hablar porque resultó ser todo lo malo que apuntaba en sus trailers. Hablo de ‘Bedlam‘, la serie sobrenatural de Living TV que se asemeja a una especie de remake de ‘Entre Fantasmas’ pero con protagonista masculino. Vi el primer episodio y fue más que suficiente para no querer volver acercarme a ella.  El horror. Sin el escote, ni la lagrimilla de turno de Jennifer Love Hewitt, una serie de fantasmas de este tipo no tiene el mínimo sentido.

La segunda serie en discordia es ‘Outcasts‘, una producción de ciencia ficción de la BBC que nos lleva a un mundo futurista en donde la vida ya no está en la Tierra, sino en Carpathia. En esta caso no se puede decir que la serie sea mala, porque tampoco lo es, pero sí que resulta completamente prescindible. Se hace lenta y uno no se quita del cuerpo la sensación episodio tras episodio de que la trama practicamente no avanza, o lo hace a pasos casi nulos. Tres episodios (de los 8 que tuvo y digo tuvo porque la cancelación ya se ha hecho oficial) me sirvieron para tener claro que ni me importa la serie, ni los personajes y que, por mí, Carpathia y sus colonos podían correr la misma suerte que los habitantes de la Tierra.

Y dejo para el final una serie que me sorprendió muy gratamente.

Se trata de una más de las adaptaciones clásicas de la BBC, ‘South Riding‘. Una serie que consta de tres partes de una hora de duración cada una protagonizada por caras tan conocidas como la de la adorable Anna Maxell Martin, David Morrisey y Penelope Wilton (protagonista de ‘Downton Abbey’, a todo esto).

El siempre talentoso y experto Andrew Davies se encuentra detrás de la adaptación televisiva de la novela de Winifred Holtby en donde se retrata la llegada de una joven moderna e idealista adelantada a su tiempo a una comunidad de Yorkshire en donde sus ideas reformistas no son vistas con buenos ojos. Entre toda la trama política, por supuesto nos encontramos también con romances, muertes, conspiraciones y hasta especulaciones de terrenos. Un conjunto de ingredientes ganador que hacen de esta serie una opción mucho más que interesante y recomendable. Ni Andrew Davies, ni la BBC han vuelto a decepcionar con su última adaptación.

Pero aquí no acaba la cosa, ya que durante los próximos días y meses se avecinan estrenos británicos que prometen dar mucho de hablar. No sólo se hacen buenas series en Estados Unidos y poco a poco somos testigos de ello. El acento británico en televisión cada vez está más de moda y podemos dar gracias por ello.

Las luces del estadio se apagaron para siempre. Friday Night Lights nos ha dicho adiós con el corazón en la mano después de cinco temporadas en antena, con un cierre de esos que hacen historia y que sólo lo podría ofrecer una serie como esta. Pero Friday Night Lights no es sólo su final. Es una serie que dio un nuevo significado a los dramas costumbristas y revolucionó la forma de hacer televisión para siempre.

Cada vez que uno habla de la serie es imposible no recurrir a usar las palaras emoción y realismo. Precisamente eso es lo que Friday Night Lights y en este aspecto es mejor que ninguna otra. Desde su redonda y perfecta primera temporada, una envidiable temporada de presentación que está dentro de las mejores que he visto en una serie, Friday Night Lighs deja claro su estilo. No es una serie de adolescentes más, a pesar de lo que pueda parecer a primera vista. No es una serie sobre un equipo de fútbol de un instituto. Es una serie en la que el fútbol es un estilo de vida que une o divide a todo un pueblo. Una serie que nos traslada al corazón de Texas y a las vidas de los que allí viven, de tal forma que sus emociones pasan a ser las nuestras propias.

A veces resulta demasiado difícil plamar en palabras lo que has vivido con una serie y eso es lo que me pasa a mi con Friday Night Lights, razón por la que me resultó casi imposible hablar sobre su brillante cuarta temporada, sin menospreciar a la tercera que volvió a estar a la altura de la primera, asi que directamente no lo hice. Pero hoy había que sacar las palabras de donde fuese para rendirle un último homenaje a una serie que consigue poner los pelos de punta y emocionar con tan sólo ver cualquier de sus cinco diferentes y maravillosos créditos de inicio de cada una de las temporadas. He aquí los de la temporada final.

Pocas series que empiezan por todo lo alto, como hizo esta, consiguen mantener ese impecable ritmo a lo largo de posteriores temporadas y concretamente en este caso los altibajos los encontramos en su segunda temporada, la amenaza de la cancelación y convertirse en una serie que no era, sumado a la huelga de guionistas, fueron los desencadenantes de ello, y en la última por intenter explorar algunas tramas sin demasiado acierto o por caer en tópicos que resultaron sobreactuados. Precisamente de esto habla Nahum en su entrada con mucho más detalle y mejor de lo que lo haría yo. No voy a repetir exactamente lo mismo que ha dicho él, por eso os remito a sus palabras, pero quiero matizar que cuando digo que la quinta temporada ha sido algo floja es porque resulta imposible no compararla con el extraordinario nivel de la anterior y en este aspecto no llega a estar la altura (es decir, el mismo caso de Dexter con su tercera temporada) pero eso no quiere decir que la temporada haya sido mala. Ni mucho menos. Cualquier temporada floja de alguna de estas dos series está muy por encima de la media de las demás. Por eso, aunque haya tramas que se les van un poco de las manos o incluso resultan algo aburridas, hay otras maravillosas desde el primer momento y no nos podemos olvidar de una recta final de temporada en la que fuimos testigos de dos de los mejores episodios de la serie (hablo del penúltimo episodio y del final), que sumamos a los inolvidables que ya habíamos vivido.

El matrimonio Taylor siempre fue el eje y motor central de la serie. Es uno de los matrimonios más realistas de la televisión y, como apunta Nahum, también una de las más bellas historias de amor. Las miradas, sus silencios, las charlas o la complegidad entre los dos es algo que resulta envidiable y que todos quisiéramos para nosotros mismos en nuestras vidas en pareja. El amor a veces viene en forma de sacrificio y los Taylor se han sacrificado más que nadie. Resulta imposible no resaltar en este aspecto el asombroso trabajo de Kyle Chandler y, especialmente, el de una excepcional y espléndida Connie Britton. Sin ellos dos Friday Night Lights no sería lo que es. Pero tampoco nos podemos olvidar de otros fantásticos personajes como Tim Riggins, Matt Saracen y su abuela (esa mujer con sus enormes gafas me llega especialmente), Tyra y su espíritu de superación (uno de mis personajes favoritos desde los inicios), Becky y su enorme corazón, Luke y su honestidad o Billy y Mindy como esa peculiar pareja tan unida a su manera.

Y es que Friday Night Lights es, o debería decir era, una serie sobre la vida de personas normales, como tú o como yo, con sus problemas y sus alegrías, que se asemejan más de lo que pensamos a los nuestros propios. Una serie que nos dijo adiós de forma inmejorable y que siempre tendrá un sitio especial en nuestros corazones y, por supuesto, dentro de los mejores dramas de la televisión.

Se apagaron las luces, pero la estela de Friday Night Lights brillará para siempre.

Texas forever.

Dillon forever.

Han pasado casi cuatro meses desde la emisión del último episodio de la cuarta temporada de Mad Men y todavía no hay un acuerdo con el canal para una quinta temporada ni tampoco con el creador, Matthew Weiner. Todos damos por sentado que, por lo menos, vamos a tener una temporada más de Don Draper y compañía y el final de la cuarta apunta a ello dejando las cosas en un nuevo punto de partida, ¿pero podemos estar completamente seguros? La respuesta racional es que sí, pero la respuesta a día de hoy no está tan clara.

La nueva serie de la HBO, Boardwalk Empire, como todos intuíamos, consiguió destronar a Mad Men en la última edición de los Globos de Oro y en los premios del Sindicato de Actores (SAG Awards) y supongo que esto no gusto mucho a AMC, que curiosamente unos días antes de los Globos de Oro habían afirmado sus intenciones de retomar la serie para una quinta temporada. El propio director del canal fue quien lo dijo, matizando que todavía no había acuerdos firmados ni tampoco sabían cuándo regresaría  pero no dejaba lugar a dudas de que la serie tenía asegurada una temporada más. Un mes después de estas declaraciones los más alarmistas dicen que el panoraba está oscuro y hay demasiados desacuerdos para conseguir las firmas que se necesitan, pero sea como sea, a lo largo de este mes se tienen que llevar a cabo las negociaciones.

Este pasado fin de semana Mad Men volvió a proclamar su puesto en lo más alto arrasando en los premios del Sindicato de Guionistas (WGA Awards) ganando el de mejor serie de drama y mejor episodio de drama por The Chrysanthemum and the Sword, yo personalmente se lo daría por The Suitcase, teniéndose que conformar la favorita del momento, Boardwalk Empire, unicamente con el premio a mejor nueva serie. Entre los asistentes a esta gala se bromeaba sobre la posibilidad de que Matthew Weiner aprovechase el discurso de agradecimiento para comunicar a los guionistas que ya no tenían serie en la que seguir trabajando. Evidentemente no lo hizo, aunque eso no significa que todos sigan manteniendo sus trabajos porque Weiner es especialmente propenso a hacer limpieza de guionistas entre temporada y temporada.

La gran incógnita en estos momentos está en los acuerdos entre AMC y la productora (Lionsgate) y entre la productora y Weiner. El primero de ellos es que el tiene que llevarse a cabo este mes y también el que menos preocupa porque resulta practicamente imposible que AMC deje escapar a la serie que se ha convertido en su identidad de marca. Con el segundo la cosa cambia porque Weiner pide un aumento de sueldo y Lionsgate está intentando conseguir un mayor canon por episodio por parte de AMC, el cual actualmente está un poco por encima de 2 millones de dólares. El coste de producción por de cada capítulo ronda los tres millones de dólares, pero contando el prestigio y premios que otorga al canal y el referente cultural en el que se ha convertido, cuesta mucho creer que todos estos acuerdos no terminen en buen puerto.

No es la primera vez que la confirmación oficial de una temporada de Mad Men se hace de rogar, pero sí que es la primera vez que está tardando más de lo habitual (la anterior negociación se cerró a principios de enero del 2009). Tampoco hay que alarmarse por la tardanza, porque como he intentado explicar en esta entrada, es casi imposible que AMC deje escapar a la serie o que Matthew Weiner renuncie a ser el showrunner durante una temporada más. Otra cosa diferente es que con todo este retraso acumulado, la nueva temporada consiga empezar la producción a tiempo para estrenarse en verano (como siempre suele hacer). Esto va para largo, amigos.

Todos sabemos que el primer episodio de una serie no siempre es todo lo significativo que debería. En algunos casos supone un reflejo exacto del tono que tendrá la serie pero en otros todo lo contrario; ya sea por poner toda la carne en el asador en un piloto que nos deja con la boca abierta para luego olvidarnos de la serie dos episodios más tarde, o bien por tener un piloto horrible que no hace justicia a la temporada que está por venir. Este último caso es el de Spartacus: Blood and Sand.

Hace algo más de año comentaba en este mismo blog que Spartacus era una de las series de mid-season que esperaba con más ganas y pocos días después hablaba horrores de su primer episodio (episodio que ni siquiera llegué a terminar de ver). Y es normal. Los primeros episodios de Spartacus, en especial los dos primeros, son realmente malos y un baño de sangre y sexo desmesurado y fuera de contexto. Es más que lógico que la serie original de Starz que nos cuenta la historia de un esclavo que levantó la mayor revuelta contra el Imperio Romano perdiese a gran parte de la audiencia que estaba interesada en ella después de ver tan terrible presentación. No los culpo porque yo mismo fui uno de ellos. El caso es que muchos de los que siguieron con ella empezaron a hablar maravillas episodios más tarde y a uno le picó la curiosidad de comprobrar si lo que decían era cierto y tengo que decir que lo es.

Antes de acercarse a Spartacus: Blood and Sand hay que tener muy claro el tipo de serie que te espera. La mayoría de los escenarios están recreados por ordenador y beben directamente de la estética de la película 300, aunque como es lógico con mucho menos presupuesto y por consiguiente con un efecto de cutrez que se llega a convertir en uno de los sellos característicos de la serie. También tenemos que aceptar que nos vamos a encontrar con muchas escenas de sexo y desnudos frontales, ya se trate de ellas como de ellos, aunque quizás el sexo desmesudado de los primeros episodios se va perdiendo un poco a medida que avanza la historia para dar paso a escenas de sexo más cortas y justificadas en la trama. Por último, tenemos que asumir la extrema violencia y sangre de la que vamos a ser testigos. No nos olvidemos que estamos ante una serie protagonizada por gladiadores y como es lógico los combates están muy presentes; por tanto los desmenbramientos, los ríos de sangre que salen disparados con cada golpe o los intestinos asomando después de un rápido corte son cosas que están al orden del día y en este aspecto Spartacus es totalmente explícita llegando incluso a tener alguna escena en la que es difícil no apartar la mirada (¿os recordáis de los combates en los Pits?). Pero también hay que matizar que se tratan de escenas gore bastante irreales, lo que le quita gran parte de la repugnancia que puedan causar en el espectador, algo de agradecer, pero no por ello dejan de ser repugnantes o dar cierta grima en algunos momentos.

Si tienes asumido todo esto estás preparado para adentrarte en el mundo Spartacus y disfrutar de una primera temporada que no hace más que crecer y crecer a medida que avanza hasta terminar en un perfecto y sangriento clímax que supone un cierre de temporada absolutamente brillante. Esta precisamente es la gran virtud de la serie. Empieza con una historia de lo más simple que poco a poco comienza a ramificarse y dar paso a los engaños, conspiraciones, amores imposibles, mentiras y manipulaciones típicas de las series ambientadas en la época romana.

Por supuesto Spartacus no pretende llegar a la altura de esa maravilla de dos temporadas creada por la HBO que se llama Roma, pero sí que juega con muchos elementos en común. Por ejemplo, uno de los mejores personajes de la serie, Lucretia, interpretado por una extraordinaria Lucy Lawless, está perfectamente a la altura de las grandes manipuladoras que nos ofreció Roma (si, estoy hablando de la grandísima Atia) y sin duda Lawless es la que se marca la mejor actuación de todas, sin olvidarnos tampoco de John Hannah ni de su Batiatus, o de las más que correctas intrepretaciones de Viva Bianca (el dúo Ilithya – Lucretia es sencillamente genial) y de Peter Mensah (que tuvo un papel en la película 300, a todo esto) en la piel del rígido Doctore, un personaje que ofrece mucho más de lo que aparenta en un principio.

Si buscas una serie repleta de acción y venganza que consigue incluso hasta ser emotiva por momentos, quién lo iba a decir, deberías pensarte dos veces darle una oportunidad a Spartacus: Blood and Sand porque realmente lo merece. Es una serie que debido a sus credenciales arrastra muchos prejucios, pero una vez que asumes y disfrutas de sus bases comenzarás a ser consciente de lo infravalorada que está. No es ninguna maravilla de la televisión, pero sí que es una de las series más disfrutables y viscerales (en todos los sentidos) con las que te puedes encontrar. También recomiendo encarecidamente verla en alta definición porque gana y luce muchísimo más.

La primera temporada la emitió Canal+ en España y próximamente se podrá ver en Cuatro, pero actualmente ya estamos disfrutando de la precuela de la serie bajo el nombre Spartacus: Gods of the Arena, que constará de seis episodios de los que ya se han emitido dos y en donde conoceremos los orígenes de personajes como Crixus, el propio Doctore o de como Batiatus empieza a tomar el control del Ludus familiar. Después de ver los dos primeros episodios de Gods of the Arena puedo afirmar que apunta muy alto.

Para ver la segunda temporada de Blood and Sand tendremos que seguir esperando, ya que finalmente se ha anunciado que Andy Whitfield será sustituído por Liam McIntyre en el papel de Spartacus debido al cáncer contra el que sigue luchando Whitfield (parece que toda va bien, pero todavía tiene que seguir el tratamiento lo que le impide estar en la nueva temporada) y si todo sale sobre lo previsto dentro de unas semanas comenzará el rodaje de los nuevos episodios que supongo que se estrenarán a finales de año o principios del que viene. Menos mal que mientras tanto tenemos a los Dioses de la Arena para saciarnos de nuestra ración de sangre, violencia, sexo, conspiraciones y manipulaciones. Demos las gracias a Júpiter por ello.